歌い方・表現力のボイトレ解説

歌っていて、
「ノリがない」
「リズム感が悪い」
と言われる人、必見です。

リズムは、ただメロディーの位置を示すものではありません。

メロディのリズム➕拍の概念の把握は、
音楽のエネルギーがどこへ流れていくのかを示す、
大切な指標でもあります。

リズムを感じずに歌うと、
全部の音を同じように頑張ってしまいやすくなります。

その結果、

・常に力が入りっぱなしになる
・フレーズが重くなる
・抜くところが分からない
・音楽が平坦になる
・発声も硬くなりやすい

ということが起こります。

まずは、
カウントを取りながらメロディーを歌うことから始めてみてください。

4分の4拍子なら、

1・2・3・4

親指
人差し指
中指
薬指

この順番で指を動かしながら、
リズムを取るだけでも構いません。

これは単純な練習に見えます。

でも実際にレッスンでやってみると、
意外とできない方がとても多いです。

まずは、
カウントを取りながらメロディーを歌うことが、
ほとんど頭を使わなくてもできる状態を目指してみてください。

リズムを感じられるようになると、
歌は「力で押すもの」から、
「流れに乗るもの」に変わっていきます。

流れに乗れた時、今まで感じた事がないくらい発声が流暢に、楽になるよ！

CITRUS / Da-iCE

2021年度日本レコード大賞受賞曲で、元々avexの実力派グループとして知られていたDa-iCEを、一躍世間的に有名にさせたこちらの楽曲。
今でも若い世代を筆頭にカラオケでもよく歌われる人気曲ですよね！

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「離さないって決めたから〜守りたいって言ったのさ」

・一発目から高音が出てきます笑。
C#5という音の高さなのですが、男性であればほとんどヘッドボイス(裏声)に入る音域なので、むしろここまで高ければ歌いやすいという方も多いと思います。(しかしある程度の出力は欲しいので、弱々しい声になってしまうのであればボイトレ必須)
この直前でベースがグリッサンドを弾いていますが、釣られてしゃくりあげたりしないよう真っ直ぐ入るというのもポイントになりそうです。

・「離さないって〜」「守りたいって〜」、共に前半のメロディーラインは全く同じですが、後半が変化しています。
「決めたから」が、シラソシラという高い音域で居座るのに対して、「言ったのさ」はソファミレレと、下降してくる動きで書かれています。
それに伴い歌い方も1回し目はアクセントを置いて歌い上げる、2回し目はなめらかに納めるというように変わってきます。

「ホンモノの強さだけ〜」

・ここでは16分の細かい音が出てきて、ややリズミカルなフレーズになっています。このリズムのノリを表現したいので、ここでは全体的にやや小さくしゃくるように歌っています。

「無作為に伸びてる雑草も〜」

・この場面ではグルーヴが変化しています。
これまで4ビート、8ビートが強調されていたのに対して16ビートのシャッフルというグルーヴが出てきているなと感じられます。
この楽曲を全体通して聴くと、展開によってそのグルーヴが変化していくことが分かります。それも一つこの楽曲の魅力だと思います。
そのグルーヴやこのフレーズのリズミカルなノリを表現したいので、ここでも小さくしゃくりを入れています。
また基本的に16分で構成されているメロディーラインなので、ある程度のスピード感を持って歌うということもポイントです。

曲の歌い出しがうまくハマらない時、
歌い出しの瞬間からその作品世界に入ろうとしても、少し遅い場合があります。

音程、声色、間合い、ニュアンスが微妙に噛み合わない。
そういう時は、歌い出しそのものではなく、その手前に何が流れているかに注目してみると良いです。

歌は、歌う前からもう始まっています。

僕はこういう時、イントロや歌い出し直前のメロディーを、鼻歌で軽くなぞってもらうことがあります。

特にミュージカルでは、歌以外の楽器がキャラクターの気持ちを先に語っていることがあります。

ですので、お芝居を歌詞だけで何とかしようとせず、
メロディーやコード。リズムからもキャラクターの心情を推察することが大切です。

伴奏の中に、すでに演技のヒントが入っていることは少なくありません。

その手前の音楽を鼻歌で追うことで、歌い出した瞬間にはすでにその音楽の中にいる状態を作りやすくなります。

逆に、歌い出してから作品世界に入ろうとすると、最初のフレーズではまだ掴みきれていないこともあります。

最初の一声は、お客様を引き込む大事な入口です。

歌い出しがハマらない時は、
声そのものを直そうとする前に、まずイントロを鼻歌でたどってみてください。

カラオケに行くことが趣味で、特に採点系のコンテンツが好きな方であれば、

"ビブラート＝加点技術"

という認識があると思います。
なのでビブラートに対してそこまで深く考えず、使っている方がほとんどだと思います。

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Beforeのテイクを聴いてみると、フレーズ終わりのビブラートで明らかに違和感を感じると思います。かけている速さが遅すぎるんですね。

"音楽的に自然に聴こえる"ビブラートの振幅数は、1秒間に6回前後と言われています。
あまりにも波が大きいビブラートは不自然に聴こえてしまいますし、テンポの高速化が進む現代のJ-popでは、ある程度の速さを持ったビブラートの方が好まれるといえます。

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また、闇雲にビブラートを使いまくるというのもあまり音楽的とはいえません。
人によってはくどく感じられますし、ビブラートをかけない歌い方や、音の始めは真っ直ぐ伸ばして途中から揺らす、ディレイドビブラートの方が好きという方もいます。

しっかり揺らす音、サラッと揺らす音、真っ直ぐ歌う音など、計算してビブラートを使った方が聞き手に対して思いやりがありますし、それは音楽的だといえるでしょう。

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聴き手に心地良く聴いてもらうというのが音楽にとっては非常に大事です。
そこを考えられるかというところが、カラオケが上手な人と本質的に歌が上手いと言われる人の差なのかもしれません。

またビブラートは発声バランスが重要だと言われています。
上手くビブラートがかけられないという方は、ボイトレが役に立ってくれるかもしれません。

- なぜメトロノーム（クリック）を使うのか──「リズムをかっこよく」だけではないもう一つの理由

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レッスンで楽曲を扱うとき、メトロノームだけを鳴らしてそれに合わせて歌ってもらうことがあります。リズムトレーニングの方法は先生によってさまざまですが、僕はメトロノームのみで歌わせることをよく行います。

四分音符だけで鳴らすことはあまりなく、曲によって八分音符や十六分音符で鳴らすことが多いです。

リズムを正確に歌うには技術が必要です。例えるなら、二本の線が一本に重なるところ、つまりメトロノームの音と声が重なるところがオンタイムで、そこを狙います。

もちろんこれはリズムトレーニングですが、その結果として「発声の安定」も得られます。

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「声の立ち上がり＝オンセット」には、①声門を先に閉じるGlottal Attack、②息が先に漏れるAspirate Onset、③声門の動きと息の流れが同時に起こるBalanced Onset、の三種類があります。

レッスンでは基本的に③を理想としていますが、そのためには声を発するタイミングをしっかり狙えていることも重要です。野球のスイングでバットがボールを適切なタイミングで捉えるのと同じです。

曲をオンタイムで歌えないと、オンセットのタイミングがランダムになり得ます。

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僕が20代のころに習っていた先生はリズムに厳しく、シンガーのクオリティに直結することを学びました。リフの決まり具合や、あえてタメを作る技術も、正確なリズム感があってこそ成り立ちます。

今ではその重要性が発声の観点からもよく理解できます。

実際にこれは、かなり効果を発揮します。

皆さんは歌に細かい装飾（リフやフェイク）を入れる時、何に一番集中していますか？
「音程を外さないように…」と一生懸命になるあまり、気づかないうちに一番大切なものを置き去りにしているかもしれません・・・

♪ リズムとテクニックの両立
この動画では、かっこいいリフを入れる際、ついつい「音の動き」にばかり意識が向いて、リズムが「もったり」と遅れてしまっています。
私が「リフを考えてリズムを完全に放棄したよね」と伝えている通り、テンポ感を失うとせっかくの歌が台無しになってしまいます。
大切なのは、難しいフレーズほど伴奏のリズムにしっかり乗るという意識を両立させることです。

♪ インプットとアウトプットの精度
動画の中で、生徒さんがアドバイスを受けてすぐに「あ、できてる！」と変化する場面があります。
これは、ただ闇雲に歌うのではなく、「どこが遅れているのか」「伴奏に対してどう音をはめるべきか」という課題を正しくインプットし、その場で修正する集中力の結果です。
「なんとなく歌う」のではなく、一音一音のニュアンスやタイミングを細かく分析して再現する力が、表現力を引き上げる鍵となります。

「歌にキレが出ない」と悩んでいる方は、まずは自分が歌う時に「リズムを置き去りにしていないか」を振り返ってみてください◎
難しいフレーズこそ、伴奏をよく聴いて正確に捉える練習から始めてみましょう！

歌い方解説をもっと詳しく解説！

私加藤は昨年からInstagramでの発信活動を始めました！
そこで投稿している歌い方解説の、動画では伝えきれないもっと詳しい解説をこちらでしてみます。

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最後の雨 / 中西保志
1992年の楽曲ですがカラオケでよく歌われているランキングを見ると、必ず上位に入っている名曲です。 若い世代の方でも良く歌っている印象があります。

「本気で忘れるくらいなら〜」
・Bメロ後半からメロディーラインや後ろの演奏がドラマチックに盛り上がっていきます。
一瞬無音になり、そこから一気にサビに入っていくため、出だしの「本気〜」には物凄く注目が集まります。ここはBメロで盛り上がったテンションをそのままに、勢いよく入っていきたいところです。

・「忘れる」には、食って入るという解説を入れていますが、ここではシンコペーションというリズムが使われています。
本来ポップスにおいてアクセントは、基本的に表拍にきます。(1・2・3・4)
しかしこのフレーズでは、2拍目のアクセントの前に、そのアクセントをあえてずらしています。
こうすることで、基本的なところから変化させたリズムのノリが生まれます。こういった部分が音楽の楽しい部分なんですよね。
これをシンコペーションと言い、リズムを食うと表現されることが多いです。
このリズムのノリを表現するために、強調してアクセントをつけるようにしたいですね。

「泣けるほど〜愛したりしない」
・vは主に休符の意味で付けることが多いのですが、この休符を感じることでリズムのパワーを歌に伝えることができます。

・「愛したりしない」はこのサビの中で1番盛り上がる部分です。 後ろの激しいドラムの演奏に呼応するように強めにアクセントを置きながら、ビブラートをかけてエモーショナルに歌い上げます。

「誰かに盗られるくらいなら〜」
・ここでは前述のシンコペーションのリズムが出てきます。シンコペーションする歌詞の母音を強調するように歌っていきます。これをやらないと、非常にのっぺりとした機械的な歌に聞こえてしまいます。母音を長く歌うということは、歌い上げるという意味で非常に重要です。

「強く抱いて〜君を壊したい」
・「強く抱いて」には、語るという解説を入れました。音域が低いところへ降りてきているので、ここは一度メリハリをつけるためにボリュームを落として語るように歌ってあげます。
そして最後の、「君を壊したい」でもう一度気持ちを入れて歌い上げることで、ダイナミクスを表現しています。

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歌唱表現において大事なことは、音楽を理解する力です。
抑揚をつけるためにただボリュームを上げ下げするのではなく、音楽を読み取って正しく解釈した表現をできるようにしたいですね！

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今回、加藤先生のレッスンでは、絢香の「三日月」を切なく歌うことをテーマにレッスンを行っています。このレッスンでは、ダイナミクス（強弱）の変化を使って、切なさを表現していきます。

ダイナミクスとは、音の強弱のことです。
単に音を大きく出すことだけでなく、表現に合わせて音量を小さくコントロールすることも重要です。また、歌詞の意味とダイナミクスがリンクすることで、筆で曲のストーリーを描いていくような流れを作ることができます。

ポイントは、音の大きさそのものではなく、小さくコントロールした声とのコントラストを作ること。それによって、強弱がより自然に聴こえてきます。

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今回のレッスンポイント（絢香「三日月」）

・君がいない夜だって
【ダイナミクス】
→「みー」でクレッシェンド、「だって」でデクレッシェンド
【歌詞とのリンク】
→クレッシェンドによって「君」が強調され、「君」への思いの強さが表れます。
　「だって」でデクレッシェンドすることで、「いない夜の寂しさ」を表現します。

・そう no more cry
→「cry」でビブラート。
　「no more cry」という歌詞ですが、「泣きたいけれど泣かない」その間にある感情を意識したビブラートにすると、より世界観が作れそう。

・もうなかないよ
→「もう」でエッジボイス（音量は小さく）。
　エッジボイスで「泣きたい気持ち」と決別するように、感情を切ります。

・頑張っているからねって
　強くなるからねって
【ダイナミクス】
→「頑張って」「強く」を力強く歌い、サビ前半との変化をつける
【歌詞とのリンク】
→力強く言い切ることで、言葉から強い意思が感じられます。同時に、前半との強弱のギャップによって、無理をしながらも前に進もうとする姿が見えるので、より切なさが伝わってくるのではないでしょうか。

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ダイナミクスを意識しながら、ぜひ試してみてください☺︎