歌い方・表現力のボイトレ解説

Beforeの歌い方では、音のグルーヴ感（推進感）がやや弱く、リズムがもたついて聞こえる印象があります。
曲のカウントをダウンビート（表拍）だけで捉えるのではなく、アップビート（裏拍）も意識し、倍のカウントで感じることで、より細かなリズムを正確に把握できるようになります。
その結果、フレーズの入りが明確になり、歌がもたついたり遅れてしまうことを防ぐことができます。
特にスローテンポの楽曲では、この点を意識することがとても重要です。

もう一つのポイントは、口の開け方です。
歌う音域に合わせて母音を適切に調整することが、音色づくりの鍵になります。
この例では「こころ」の「こ」を歌う際、母音をややワイドに、つまり口を広めに開けて発声することで、地声的な成分が加わり、より力強く明るい響きが生まれています。

さらに、全体的にビブラートを加えることで、歌声に明るさと表情が加わっています。

ぜひご自身でも試してみてください。
そして、音色の変化を心地よく感じられるようであれば、その感覚をご自身のものにしていきましょう。

塚本奈加

皆さんは歌を練習する時、リズムについてどれくらい意識していますか？
メロディは完璧でも、「なんかノリが出ない」「歌が単調になる」と感じる方は、リズムの取り方に原因があるかもしれません。

♪ 伴奏に乗る
このショート動画では伴奏が刻む「ちゃんちゃんちゃん」というリズムを感じて、それに正確に「乗る」ことを求めています。
これは、ただ歌詞と音程を追うのではなく、伴奏との一体感を持って歌うことが、歌にグルーヴを生み出す鍵だからです。
自分のタイミングで歌うのではなく、伴奏を常に意識し、正確に捉えることが大切です。

♪ インプットの重要性
この動画では、歌のテクニックというより「歌う時の意識と集中力」を問うています。
プロの歌を聞く時、ただ「良い歌だな」で終わらせず、「伴奏に対して歌詞をどのようにはめているのだろう？」と細かく分析するインプットが、あなたの表現力を格段に引き上げるポイントかもしれません。

「リズムが苦手」と感じる方は、まずは歌と伴奏に耳を傾けて、出来るだけ正確に耳コピするところから始めてみてくださいね！

歌唱動画の合格率が“3倍”に跳ね上がった理由とは？

正直に言うと、これまで僕が「このレベルなら何の問題もない」と思っていた生徒さんでも、なぜか動画審査で落ちてしまうケースが毎年ありました。

でも昨年、ある２つのポイントを意識してもらったところ、合格率がなんと3倍に！
今回は、その実例ベースのコツをシェアします。

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■ ポイント①「映え狙い」をやめた

前回の記事でも触れましたが、
よくあるのが「盛り上がる部分を切り取ればインパクトがあるはず！」という選び方。

でもそれって、その箇所を“しっかり歌い切れる人”じゃないと逆効果になるんですよね。

そこで昨年は、
盛り上がり重視ではなく、“その人が一番得意な部分”にフォーカスして選曲・編集するよう徹底しました。

「楽曲の映えるポイント」より「自分の得意な強みに徹底的にフォーカスを置く」。この視点の切り替えが鍵でした。

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■ ポイント② 録音クオリティに本気でこだわった

そしてもう一つの大きな要因が録音・音質への徹底的なこだわりです。

これまではスマホの内蔵マイクで録っている人が多かったのですが、それだとせっかくの声がこもったり、割れたり、チープに聴こえてしまいます。

昨年は、外付けマイクや収録環境を整えて、
どんな人が聴いても「クリアで聴き取りやすい」状態に仕上げるよう指導しました。
（具体的なセッティングは企業秘密でごめんなさい…！）

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■ 動画は「プレゼン資料」

動画審査って、“気合いと根性”じゃなくて、「誰にでも理解出来る事」がすべてです。

✅ 体型も含めてのルックス、衣装
✅ 表情や立ち居振る舞い
✅ 音質・画質の良さ

これらが整っていることで、あなたのパフォーマンスがより正しく伝わります。

「プロの審査員だから、きっと私の才能を見抜いてくれるはず…」
──その考えはちょっと危険です。
大切なのは、“誰が観ても良さがわかる状態”で提出すること。

お手本（モデル）はどこまで有効？〜初心者と上級者での違い〜

ボイストレーニングで「お手本（モデル）」を見せるのは定番の指導法。
でもその効果は、生徒のレベルによって変わってくることを知ってますか？

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1. 初心者には「熟練者モデル」が効果的

初心者にとっては、優れた歌声＝理想のイメージ。
プロの歌声を聞かせることで、「こうなりたい！」という明確な目標が生まれ、学習意欲も高まります。
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2. 初心者には「学習者モデル」も有効

初心者が、同じく初心者がどのように注意され、どのように改善していくかを見ること自体が学びになります。
たとえば、「この歌い方はNG → こうやって修正する」…その一連の流れを観察するだけでも、学習のヒントが詰まっているのです。
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3. 上級者には「エラー比較型モデリング」が有効

上級者になると、すでに正しい基本は身についています。そこからさらに上を目指すには、「間違い」と「正解」の微細な違いを聞き分け、修正する力がカギ。

僕はよく、A/Bデモ（NG例とOK例を続けて聞かせる）を使います。
「君は今こう歌ってるよ（NG）。こうするともっと良くなるよ（OK）」といった形で、違いを“耳で体感”してもらうのです。
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4. 上級者には「自己モデリング」も効果的

上級者には、自分の歌を録音し、それを一緒に聞きながらディレクションすることも効果的です。
楽譜や歌詞を見ながら、「このフレーズのここを変えてみよう」とポイントを絞ってアプローチすると、理解も深まりやすくなります。
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上級者に“熟練者モデル”が効かない理由？

上級者になるとモデリングは効果的でない事があるそうです。
理由のひとつは、モデルが高度すぎて比較や理解が難しいこと。
情報が多すぎたり、自動化された動作に上級者にとっても意味がつかみにくいのです。

Wulf & Shea（2002）は、「モデルを見るだけでは不十分。意図や注意の方向を示すことが必要」としています。

実際、僕のクライアントには僕よりも優れた歌手も多くいます。
だからこそ、僕は細部を言語化したり、イメージで伝えることにも力を入れています。単にお手本を見せるだけでなく、「どこに、どう注意を向けるか」を一緒に探るのです。
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最後に

「うまく教えられたかどうかは、
あなた（教師）がやったことではなく、
生徒が“できるようになったか”でしかわからない。」

この言葉を胸に、今日もレッスンに臨みます。
ボイストレーナーには、ひとつの方法論にとらわれない“引き出しの多さ”が求められますね。

恋心をフレーズの緩急で表現しよう！
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課題曲：「桜が降る夜は/あいみょん」

名古屋のなか先生と後輩ちゃんが、フレーズにリズム感を出していくためのレッスンをしています。今回の課題曲は、「桜が降る夜は/あいみょん」。

歌っている歌詞は、
「あぁ　桜が降る夜は　貴方に会いたい、と・・・」。

※まだ微妙な距離感である「あなた」に、桜が降る夜はふと会いたくなる。理由はわからないけれど、私はあなたに恋をしているんだって、確かに感じてしまう…
………というような、淡くて切ない歌詞です☺︎
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では、声に表情つけていくポイント4つをの見ていきましょう!

①声を入れるところ、抜くところを作る。
→ 音の緩急をつけることで、フレーズの中に動きが生まれリズムを作ります。
→のっぺりした印象が抜け、声に表情が出て来ています◎

②声が強くなりすぎた（喉が上がりすぎた）ところは、喉を下げる
→声が柔らかくなり、聴き手に優しく届きます。

③地声で出せるところをあえて「抜く」。
→優しい切なさが感じられる印象を作れます。

④声を入れたい部分で、母音を広めに調整する。
→無理に地声で押さなくても、地声的なサウンドを作ることができます。

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どこに声を入れるか/抜くかで、表情もフレーズ感も変わってきます。今回のポイントを参考に、自分なりに「いれる箇所/抜く箇所」のバランスを工夫して、オリジナルの感情表現を作ってみるのもいいですね。
是非試してみてくださいね☺︎

僕が米Speech Level Singingのインストラクターだった頃、先輩にこう教わりました。

「“どうやってその技術を身につけるか”を教えるのが、ボイストレーナーの仕事だ」

つまり、“How to（どうやって）”をしっかり体系立てて、生徒が体験として習得できるように導く。
それこそがトレーナーの役目だということです。

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▷ 言葉で理解させるのではなく、体で理解させる

運動学習の観点からも、生徒は説明を聞いて理解するのではなく、できた瞬間に理解するもの。
逆に言えば、言葉だけでいくら説明しても、生徒に“できた体験”を届けられなければ、指導は成立しません。

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▷ 僕が近年重視している「Why（なぜ）」の視点

ここ数年、僕は「How to」に加えてWhy（なぜそれをするのか）を伝えることをとても大事にしています。

たとえば、YouTubeなどでよく見かける「このフレーズでしゃくりましょう」「ビブラートをかけましょう」といった解説。
これらは、What to do（何をするか）のレベルにとどまっていることが多いです。

その技術を持っていない人にとっては、それだけでは何の役にも立ちません。
「どうやってやるか（How to）」がなければ身につかず、
「なぜそうするのか（Why）」がなければ意味を理解できないからです。

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▷ 「なぜそこにしゃくりを入れるのか？」
• それが拍の“強拍”にあたる場所だから？
• 跳躍の先でドラマティックに聞かせる必要があるから？

このように、音楽的・表現的な理由を理解していると、歌はまったく違うものになります。

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▷ Why を伝えなければ、歌が“オリジナルのコピー”で終わる

Why を伝えない指導では、特定の曲・特定のフレーズだけはそれっぽく歌えても、
他の曲になると急に表現が出来なくなる…そんな生徒になってしまいがちです。

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▷ 技術と表現はセットで教えるもの

「How to（どうやって）」と「Why（なぜそれをするのか）」をセットで伝えること。
そして、生徒がそれを実践できた瞬間こそ、本当の意味で歌の喜び・演奏の意義を感じられる瞬間だと僕は思っています。

　
スタッフ後輩ちゃんと加藤先生のレッスンでは、ヨルシカさんの「春泥棒」を練習中。
　
加藤先生は、ご本人の歌い方を参考にしながら、スタッフ後輩ちゃんに細かく指導しています。
実はこの「マネをしてみる」という練習、とても効果的なんです！
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ご本人の歌い方をよく聴いてマネしてみると
・どこで地声と裏声を切り替えているか
・息の量はどれくらいか
・声の強弱や響きの変化
など、普段なんとなく歌っていたり、時には意識しない部分にフォーカスが当たります。

これが、発声の細かなコントロール力を鍛える練習になるんです。
　
さらに、楽譜には書かれていない「抑揚のつけ方」「リズムの揺れ」「言葉のニュアンス」なども体感できるため、
歌に感情を乗せる“表現力”も自然と磨かれていきます。
　
そしてもうひとつ！
「そのアーティストが、歌詞をどう受け取って、どんな声色で表現しているか」に気づくことで、歌詞との向き合い方も変わってきます。
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もちろん最終的には、自分らしい歌い方を見つけていくことがゴールです。
でもその前段階として、「曲を深く理解する」「発声をコントロールする」「表現の幅を広げる」ためのトレーニングとして、マネしてみるのはとってもおすすめです。
ぜひ、お試しください！

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加藤先生と後輩ちゃんのリズムを作っていくレッスンです。

今回の曲は、「Automatic/宇多田ヒカル」。
リーリースされたのは1998年（27年前！）。年月を経てもなおカッコいい曲☺︎ ポイントを確認していきましょう！

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後輩ちゃんのbeforeです。
サビの盛り上がり部分ですが、全体的に少しサラっと流れてしまっている印象があります。Bメロ最後の「Sun will shine〜〜〜」の伸ばしからの、サビ「It‘s automatic」。ここは、「サビきました！」的な感じを出していきたいところです。

加藤先生のアドバイス（ポイントは2つ！）
1．しゃくりでスピード感をつくる。
　→ 声を滑らかに上げていく“しゃくり”で、メロディに勢いが生まれます。

2．裏拍を感じていく。
　→ ビートの裏側（2拍目・4拍目など）を意識して、リズムにノリを出していきます。

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今回の「しゃくり」で、声の動きを作ることができます。また、「リズム（裏拍）」でも、休符を作ることでフレーズに動きが生まれます。そのリズムにより歌詞が強調される事でサビ感が増してますよね。そして、この「動きを作る」事がグルーヴに繋がり、サビ感の盛り上がりを引き立てます。

リズムの練習をするときには、今回の後輩ちゃんのようにどこの歌詞とリズムがハマるのかを、ゆっくりから確認して試してみてくださいね☺︎