東京のボイトレ講師による発声のヒント

答えを教えないことの大切さがあります。むしろ答えは僕にもわからないかもしれません。

レッスンにお越しいただいた生徒さんで「答えを知りたがる」方は一定数いらっしゃいます。

「ひっくり返らない為には何を行えばいいですか？」

「喉を常に下げればいいということですね？」

「歌う前に必ず行った方がいい練習はなんですか！？」

これらを仰る方は、すぐに効く薬（コツ）を欲しがっているんですね。

僕はこれらの質問に対して、あまり明確な回答をしません。（もちろんレッスン内で”ひっくり返らない”体験はしてもらいます）

人の心にふれる歌を歌いたいなら、上達をショートカットしようとしないことなんです。マップをみて、チャッピーに聞いて、目的地に最短距離で行こうとする人は道を覚えません。スマホがなくなったら終わりです。

楽曲を自分の声で歌えるようになるというのは、高い音が「苦しそうでもいいから出る」というような世界ではありません。富士山じゃなくていいんです。高尾山の1番好きなルートを探して、虫の音まで気に入って、自分の足で歩くこと。

歌うということは、競い合うことでも記録と戦うことでもなく、楽しむことです。そして歌を聴かせるということは、心の底から楽しんでいるあなたが滲み出るということです。

以前よりも声域が広がって、先生からも「ミックスボイスが出ているよ」と言ってもらえる。だけど、曲の後半になると疲れてしまう──この段階で悩む歌い手さんは多いです。

持久力の問題などもありますが、多くの場合、原因はアッパーチェスト～1stブリッジ付近の過剰な声門閉鎖です。

対策の一つとして、アッパーチェスト音域でのビブラートやトリルの練習が挙げられます。積極的に音を動かすことで、難しい音域で声帯周りを固めないスキルを身に着けていきます。

人間の本能として、何かにしがみつくように声を安定させようとしまうものです。
ビブラートやトリルの練習を例に取ると、音程間を移動するときに、反動をつけて揺さぶるような動きになってしまうことが多いのです。録音を聴いてみると、どちらかの音量が大きくなっていると思います。

心地よく不安定でい続けられることが、実は安定した発声のコツになります。
掴みどころのない場所で、ふわふわと漂うように（けれども、必要な力だけはしっかり使って）歌えるようになりましょう！

素晴らしい歌手は、母音の微妙な色の違いで表現をしています。

歌において、子音は「言葉の情報」を伝え、母音は「音色」を伝えます。

たとえば「か」「さ」「た」の違いを認識できるのは、子音があるからです。歌詞の意味を明確にし、リズムやニュアンスを生み出すうえでも欠かせません。

一方、実際に音程や響きを保ち、長く伸ばしているのは母音です。
「か」を伸ばして歌うとき、鳴り続けるのは"K”ではなく「あ」です。声の美しさを決めるのは母音なのです。

母音の響きに一貫性があれば、明確に意思を持った"あなたの歌声"となり、言葉が自然に音楽へと乗っていくでしょう。

歌詞をはっきり発音しようとして子音ばかりを強調するとその分母音にとれる時間が短くなり、これは美しさが減るともいえます。母音を長くとることが芸術への第一歩ですし、感情を"母音の微妙な色の違い"で表現できるようにもなっていくでしょう。

「母音が安定しない」→響きがランダムになっている可能性があり、声を覚えてもらうことも難しくなります。

母音の響きは、専門的なトレーニングとあなたの意思で美しくすることができます。あなたの願う音色にしていってくださいね♪ 母音のティーチング。これがハイレベルなボイトレの基準だとも考えます。

発声の緊張が高い人ほど、大きな声を出してもらうことがあります。

「緊張しているなら、まずリラックスさせましょう。」

ボイストレーニングでは、そう考えることが多いかもしれません。

でも僕は、緊張が強い生徒さんに対して、あえてしっかり声を出してもらうことがあります。

一見すると逆のアプローチに見えるかもしれません。
目的は、必要な筋肉を働かせることです。

この方法は、本来使うべき筋肉が十分に働かず、
その代わりに、

・首
・顎
・舌
・喉頭周囲

などが頑張り過ぎてしまう、代償運動が起きているケースで使います。

しっかり声を出すことで、本来働くべき筋肉を活動させる。

その結果、代償として働いていた筋肉が、自然と仕事を減らしていくことがあります。

外から見ると、ベルトの練習をしているように見えるかもしれません。

でも、目的は「大きな声を出すこと」ではなく、必要な筋肉を正しく働かせることです。

「緊張＝緩める」が近道とは限りません。
不要な緊張だけを直接取り除こうとしても、うまくいかないことがあります。

なぜなら、その緊張は、本来働くべき筋肉の代わりに頑張っている結果だからです。
まずは必要な筋肉がしっかり働く。
そうすると、不必要な筋肉は結果として活動量が減っていく。

そんなケースを、現場では何度も経験してきました。

「緊張しているから緩める」ではなく、
「必要な筋肉が働けば、不要な緊張は自然と減っていくことがある」
と言うケースも存在すると考えます。

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ミュージカルの曲を歌うとき、「発声とお芝居（表現）を両立させるのが難しい……」と感じたことはありませんか？

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何としても"正しいこと"を行おうとすると、歌は上手くいかない印象です。

だって正しいことって何？とボイストレーナーの僕が思いますし、"比較的よい発声法"はたしかにありますが、人によって操作してる感覚は違います。

だから、正解を追い求めても歌はよくならないのかなぁと思います。シンガーそれぞれの感覚に委ねられるものが多いからこそ、トレーナーは"危険な発声" "非効率な発声"の兆候を瞬時に見抜き、方向修正を促す能力が必須です。その為に声にまつわる科学を今日も学んでいます。

シンガーに必要なのは感性。そして日々"歌う"ということの解釈について考えること。できれば多少の発声知識。

トレーナーに必要なのは危険察知能力。そして目の前にいる歌手の考えていること、感じていることまで察する力。

性格、考え方、価値観が大きく関係します。僕は、シンガーの声をバキバキに直すということよりも、その人に共感してもらえるボイトレを今は心がけています。もちろんそれをハイレベルに行う努力。そんな日々です。

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レッスンに来られる生徒さんのお悩みナンバーワンと言っていいのが、やっぱり「高い声が出ない」ということ！

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「自分の歌は下手ではないと思うんだけど、プロの人たちと何かが違う」
こう感じる歌い手さんは多いと思います。

トーン、アーティキュレーション、音程とリズムの正確性など、全ての点でプロの方たちは卓越している（ことが多い）ので、原因を何かに絞ることはできません。

しかし、アマチュアの方を指導していてたびたび「惜しい」と感じる点を一つだけ挙げるとすれば、「しゃくり上げの多用」が挙げられます。
表現として使っているのではなく、下から上に持ち上げる過程で音程を取るのが癖になっているのです。特にフレーズの最後の音にこの傾向が見られます。

童謡を歌ってみてください。

「さーいーたぁあ⤴　さーいーたぁあ⤴　チュゥウ⤴リップーのー はーなぁあ⤴ がぁあ⤴」

こんな風になっていたら要注意です。

棒読みのように感じられても構わないので、ひとまず一切音程をしゃくり上げずに歌えるようになりましょう。
思いのほか、他人の耳にはその方が心地よく聴こえるものです。