金子 恭平2026年5月4日 7:34 am
【ハリウッド式ボイストレーニングはどのように生まれた？】
Speech Level Singing (元祖ハリウッド式トレーニング)を開発、発展させたのはセス・リッグスという偉大なボイスティーチャーです。
マイケル・ジャクソン、スティービー・ワンダー、マドンナ、プリンス、レイ・チャールズからレッド・ホット・チリ・ペッパーズやエアロスミスに至るまで、ジャンルを超えてあらゆるセレブリティたちが彼の指導を受けました。
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▼若き才能と葛藤
1930年に生まれ、7歳から歌い始めたセス・リッグスは、1949年（当時19歳！）にボーカルコーチとしての活動を開始したそうです。
ピーボディ音楽院およびマンハッタン音楽院で音楽教育を受け、ジョンズ・ホプキンス大学では演劇の学士号を取得しています。
充分な実績を積み上げながらも、リッグス氏はフラストレーションを抱えていました。
「なぜ偉大な歌手たちは、純粋な母音、均一なレガート、安定したビブラートを保ったまま、声の最低音から最高音まで移行できるのか？私ができなくて、彼らがやっていることは何なのか？私には歌えるはずだと証明する数々の書類（学位や推薦状）があったが、実際には歌えなかった」
そう、才能あふれるリッグス氏もまた、僕たちと同じように「換声点」に悩まされていたのです。
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▼イタリア・オペラとの邂逅
リッグス氏は自身の声の問題を解決する答えを求めて、過去の偉大な歌手たちの実践、とりわけ中世のローマ教皇庁聖歌隊（Schola Cantorum）の訓練法や、イタリアのベルカント唱法の系譜へと遡って研究を進めました。
のちにリッグス氏は教育的影響を受けた人物として、アントニオ・コトニー（1831–1918）、マッティア・バッティスティーニ（1856–1928）、リッカルド・ストラッチャーリ（1875–1955）、ジュゼッペ・デ・ルーカ（1876–1950）といったイタリアの歴史的なバリトン歌手を挙げています。
リッグス氏は、彼らがパッサッジョ（声区の移行帯）をファルセットに逃げることなく、また叫ぶこともなく、純粋な母音を維持したまま完璧に歌い抜く「欠点のない技術」を体現していると分析しました。
そして、リッグス氏の方法論に最も決定的かつ直接的な影響を与えたのは、イギリスに定住したイタリアのテノール歌手であり著名な指導者であったエドガー・ハーバート＝チェザーリ（1884–1969）です。
チェザーリは、オールド・イタリアン・スクール（ベルカント唱法）の教えを復活させるための研究で世界的な名声を得ていた人物です。
17～19世紀にわたって繁栄したベルカント唱法は、「声区の融合」を命題として掲げていました。これが現在の「ミックスボイス」の起源です。
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▼ベルカントの翻訳
ベルカント唱法のエッセンスを抽出したリッグス氏は、「母音、子音、音階」を組み合わせた「ツール」の処方により、歌手に意識させることなく望ましい機能的状態（声帯の閉鎖と気流のバランス）を誘発するという画期的な手法を体系化しました。
作為的に声を作ろうとした際に起こる力みを構造的に防ぐこの手法は、近年研究が進みつつある運動学習理論を先取りしていたといえます。
Speech Level Singingは、「古のベルカント唱法」をマイクを通したポップスやロックの要件に適合させた歴史上初のメソッドであったと結論付けられています。
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▼なぜ「スピーチ・レベル」なのか？
リッグス氏は、音程の上昇のために喉頭が上がることを絶対悪としました。
「発話時の安定した喉頭の位置が理想であり、歌唱時もそれを維持すべきである」という理念が、Speech Level Singingという名称の由来です。
注意しなければならない点がここにあります。
「喉頭はいかなる音域においても絶対的にスピーチ・レベル（安静状態）を維持しなければならない」という教義は、現代の解剖学および音響物理学の知見からは否定されています。
特に地声的な音色で高音域を歌うとき、喉頭の上昇は「必要」なのです。
一方、訓練の進んでいない歌い手の多くは、高音にリーチするため過剰に喉頭を持ち上げてしまう傾向にあります。こうした方がトレーニングを行うとき、「スピーチ・レベル」のアイデアはより良い声に向かうためのイメージとして機能するでしょう。
かつてのセス・リッグスの発言全てが科学的に支持されるわけではなくとも、彼の教義と方法論が持つ実践的な価値は計り知れません。
「私の指ではなく、指差した月を見なさい」とは釈迦の言葉ですが、リッグス氏の発言の粗探しをするよりも、彼が向かわせようとした「声」を感じ取り表現することが大切なのでしょうね！
小野貴之2026年5月3日 7:16 pm
レッスンを行うとき、僕はシンガーの技術だけでなく感受性や想像力、勘の良さも計算に入れます。
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レッスンを受ける際は「この先生、この時間にこういうことを教えたいんだな、私ならこのくらいできると思ってくれてるんだな」というように先生の投げかけてくるものをキャッチして、また歌声というボールで返す。これを意識してみてください。
上達が早い人ほど、 歌声で返してくれます。言葉で会話するのではなく、歌声で会話できるのです。
逆に上達に時間がかかる傾向にある人は、頭で理解しようとすることにワンクッション使い、言葉で質問してくることが多いのです。
✳️ワークショップなどでもノートをとることに精いっぱいで、先生の「想いを感じる」ことに重きを置けなかった、なんてことありますよね。
VTではレッスンを振り返れるように通常録音OKになっています。
質問はもちろんしてください♪でもまず、歌声で会話するということにもぜひトライしてみてください。
桜田ヒロキ2026年4月30日 6:03 pm
【発声とリズムは密接な関係があります】
発声とリズムは、実はかなり密接に関係しています。
発声トレーニングをしていると、つい
「どんな声で出すか」
「どこをどう使うか」
に意識が向きがちです。
でも実際には、リズムの取り方が曖昧だと、声の運び方そのものが曖昧になります。
その結果、
発声が重くなる
動きが鈍くなる
喉だけで何とかしようとする
ということが起こりやすくなります。
音を「高さ」としてだけ捉えると、発声の理解は浅くなります。
音は高低だけではなく、実は速さでもあります。
たとえば
A3 = 220Hz
A4 = 440Hz
人間の耳はこれを「高くなった」と認識します。
でも物理現象としては、振動数が増えて、速くなっているんです。
つまり歌で音を上げるというのは、
どこかに止まったまま上に乗せることではなく、
より速い運動に入っていくことでもあります。
ここを理解していないと、
音を“止めて支える”ような感覚になって、
声が固まりやすくなります。
その結果、すごく緊張した声になり、苦しくなってしまいます。
リズムを味方に付ける事で、声をしなやかに、滑らかに、楽に出せるようになります！
小野貴之2026年4月30日 1:14 pm
★選曲について考えてみよう★
男性の方で、F4〜G4あたりが苦しくなってしまうと感じているときに、平井堅さんのいとしき日々よを選んで練習いるとします。
曲のメロディラインの設計上「今あなたがやると難しい」という条件が組み込まれてしまっている場合、ボイトレには不向きな状態と言えます。
この曲は高音域の設計の特性上、少しチョイスを変えた方がいいでしょう。
✳️苦しいエリアに2度幅で上昇して飛び込んでいくメロディラインは苦しさを助長しやすいですし、使用音域の平均値が高く(苦しい音域にステイする傾向)、負担も大きくなります。
ではどんな楽曲がおすすめかと言うと、 BUMP OF CHICKENのray、もう少し高めなら秦基博さんのひまわりの約束などとてもよいと思います。
楽曲での僕なりのレッスン方法も当然ありますが、
- 叫んでしまうタイプ
- ひっくり返るタイプ
どちらにも上手く使える印象です。
田栗ななえ2026年4月30日 6:26 am
【歌は母音が9割】
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桜田先生による母音の解説です。
歌で実際に聴こえている音の多くは、母音です。
日本語を普段話すときの母音の長さは、約80〜150ミリ秒。それに対して、歌っているときの母音は、約400〜900ミリ秒と言われています。歌では話し言葉に比べて、母音が4〜7倍も長く伸びています。
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具体的にどういうことかというと、
例：「ありがとう」
◆話し言葉の場合
「あ・り・が・と・う」と、母音は一瞬ずつ通り過ぎるように、子音と母音がセットでポンポンと進んでいきます。
◆歌の場合
「あーーりーーがーーとーーうーー」
と、母音が引き伸ばされるイメージです。
だからこそ、母音がどう聴こえるかによって、声の音色が大きく変わります。話し言葉のように歌ってしまうと、音が細切れに聴こえやすくなるので、滑らかな声のつながりを作りにくくなってしまうのです！
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普段のエクササイズでは、母音を揃えながら声を繋いでいく練習とより良い声色を作っていく練習の2本立てで進めることが多いです。
今日は、母音を揃えながら声を繋いでいくエクササイズアイデアのご紹介です。
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◆母音だけで1.5オクターブスケール
Uh 1.5オクターブスケール
↓
Oh 1.5オクターブスケール
↓
Ah 1.5オクターブスケール
狭い母音から広い母音へと移行していきます。
母音だけで行うため難易度は上がりますが、自分がどのように母音を作っているかを確認しながら行き来できるのがメリットです。
子音と母音を組み合わせたエクササイズで、
・下降で乱暴に降りてしまうとき
・高音にうまくつながらないとき
・母音への意識が薄い、または伸ばす時間が短いとき
母音だけにしてみると、
その音に対して声が適切に入っているか、
母音に一貫性があるかを確認しやすくなります。
また、母音が揃った後に、子音をつけてエクササイズすると行き来の意識が明確になりやすくなります。
◆注意点◆
声が息っぽすぎたり、地声が弱すぎる場合は、そこを初めに対処してから進めると効果的です☺︎
桜田ヒロキ2026年4月29日 9:06 pm
【"すべての歌手"が、高音の練習をしなくてはいけない理由】
高音の練習というと、
高音が出にくい人、出しにくい人だけがやるものだと思われがちです。
でも実際には、そうではありません。
高音をそれほど歌わない人でも、高音練習は必要です。
仮に、自分が歌う曲がそこまで高くない。
あるいは、自分が歌いやすいキーに設定できる。
そういうシチュエーションが多かったとしても、
高音をきっちりトレーニングしておく必要があります。
特に大事なのは、
地声と裏声を関連づけるような高音練習です。
ただ高い音を出すことではなく、
地声から裏声へ、裏声から地声へ、
その行き来を作っていくような練習。
こういう高音練習は、ピッチの改善にかなり役立ちます。
なぜかというと、
高音発声では 輪状甲状筋（CT） が非常に重要になるからです。
この筋肉は、高音でないとなかなかアクティブになりにくいと言われています。
そして、CT は高音を出すためだけではなく、
ピッチ生成そのものにも深く関わっています。
だから、この筋肉の働きが弱くなると
・高音が出しにくくなる
・声の張りがなくなる
・パワーがなくなる
・ピッチが取りにくくなる
ということが起こりやすくなります。
例えば、ジャズシンガーのように
自分の歌いやすいキーへ自由に設定できる場合。
こういう環境では、
無理に高音を使わなくても音楽が成立してしまいます。
だからこそ、
高音を練習しなくなる
ということが起こりやすいです。
でも、ここははっきり言っておきます。
本番で高音を使わないことと、
高音を練習しなくていいことは全く別です。
高音練習は、高音のためだけにやるものではありません。
声の張り、パワー、ピッチ精度を維持するためにも必要です。
だから、すべての歌手は高音を練習した方がいい。
高音を本番でどれだけ使うかは人それぞれです。
でも、高音をトレーニングする意味は、全員にあります。
小野貴之2026年4月27日 1:57 pm
- 女性の方をトレーニングするとき
ロングレンジのスケール(音階)で、高い音を使います。
女性の中でも声が低めのタイプの方は、B♭5〜D♭6くらいまでを目指してトレーニングを行います。
声が高いタイプの方は、C6〜E6くらいまでを目指します。
(50代を超えたら、ここから半音1つほど下げて捉えてもいいでしょう。)
このエリアを1日何回かトライしてみてください。え、そんな高い音出したことないわ...という方は、ぜひ出せる方法を見つけてください。僕はレッスンでそのエリアをわりと一発で解放させられることが多いです。(時間がかかる場合ももちろんあります。)
✳️持っている音域をフルに使ってあげること。高い音になればなるほど針の穴を通すようなアプローチが必要になり、習得すれば歌唱音域はかなり楽になります。
桜田ヒロキ2026年4月23日 1:39 pm
【曲の歌い出しちゃんと歌えますか？】
曲の歌い出しがうまくハマらない時、
歌い出しの瞬間からその作品世界に入ろうとしても、少し遅い場合があります。
音程、声色、間合い、ニュアンスが微妙に噛み合わない。
そういう時は、歌い出しそのものではなく、その手前に何が流れているかに注目してみると良いです。
歌は、歌う前からもう始まっています。
僕はこういう時、イントロや歌い出し直前のメロディーを、鼻歌で軽くなぞってもらうことがあります。
特にミュージカルでは、歌以外の楽器がキャラクターの気持ちを先に語っていることがあります。
ですので、お芝居を歌詞だけで何とかしようとせず、
メロディーやコード。リズムからもキャラクターの心情を推察することが大切です。
伴奏の中に、すでに演技のヒントが入っていることは少なくありません。
その手前の音楽を鼻歌で追うことで、歌い出した瞬間にはすでにその音楽の中にいる状態を作りやすくなります。
逆に、歌い出してから作品世界に入ろうとすると、最初のフレーズではまだ掴みきれていないこともあります。
最初の一声は、お客様を引き込む大事な入口です。
歌い出しがハマらない時は、
声そのものを直そうとする前に、まずイントロを鼻歌でたどってみてください。
